Stanislavski System hva er, egenskaper og hvordan det brukes i aksjon

De sier at Stanislavskis favorittord mot elevene hans var "Jeg tror ikke på deg, ikke overbevis meg". Hans måte å se og forstå hvordan teaterkunstnere skulle handle var krevende, men også omhyggelig. Så mye at det ble sin egen metode: Stanislavski -systemet.

Hans systematiske tilnærming til å handle ikke bare revolusjonerte måten han handlet i Russland i sin tid, men klarte også å overføre grenser til å endre løpet av Western Theatre.

Denne metoden har vært avgjørende for at skuespill, serier og filmer er som vi vet i dag, og da vil vi oppdage hvorfor.

• Beslektet artikkel: "Hva er de 7 kunstnerne? Et sammendrag av dens egenskaper "

Hva er Stanislavski -systemet?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskva 1863 - 1938), bedre kjent som Stanislavski, var en produktiv skuespiller, naturskjønn regissør og russisk teaterpedagog Kjent for å være forfatteren av en av de viktigste metodene for The History of the Performing Arts: The Stanislavski System. Som et resultat av mange års innsats var metoden hans ment å få aktører til å kontrollere aspekter av de mest immaterielle og ukontrollerbare av menneskelig atferd mens de var på scenen, for eksempel følelser og kunstnerisk inspirasjon.

Stanislavski Han studerte hva skuespillerne gjorde som naturlig nok klarte å komme inn i karakteren. Fra hans observasjoner og erfaringer skapte denne russiske regissøren et system som hver aktør, både roman og veteraner i yrket, kunne gjelde i sine arbeider og oppnå en renere, ekte og naturlig ytelse. Denne metoden var så revolusjonerende på tidspunktet for utseendet at den markerte et før og et drivstoff i handlingsverdenen, og etablerte standarder som avgrenset linjen mellom en overbevisende handling av en kunstig og dårlig representert.

Denne metoden formulerte den på et tidspunkt da utøvende kunst av hjemlandet, Russland, var preget av konvensjonelle og stereotype klisjeer. Skuespillerne handlet kunstig, til og med histrionic. Arbeidene ble badet av en glorie av falsk emosjonalitet og lite forberedelser av skuespillerne, så knappe at de til og med lærte hva de hadde å si når de allerede var på scenen. Lite eller ingenting så på librettoene der det som burde vært husket.

Stanislavski gjennomførte en grundig undersøkelse for å få skuespillerne sine til å jobbe fra begynnelsen med noe de oppfattet som ekte, Mennesker, elementer og gjenstander som ikke er sett på som bare elementer i et scenario, men deler av en ekte, hverdagslig scene, en del av livet i seg selv. Folk er ikke skuespillere i livene våre, men vi er en del av dem, vi lever dem mer enn å handle dem.

For å få skuespilleren til å komme inn i scenen han representerer, forsvarer Stanislavski bruken av emosjonelt minne. Skuespilleren eller skuespillerinnen må huske en personlig opplevelse som ligner den han prøver å representere, og hjelper ham til å føle seg mer fordypet og involvert i det som prøver å representere på scenen. Du bør se etter en situasjon i din vitale historie der du følte en følelse analog med karakteren hennes.

Men dette oppnås ikke bare å fremkalle en oppriktig følelse. Ekstern støtte er også nødvendig, modifiser vårt utseende og oppførsel for å gi liv til karakteren som er ment å representere eller rettere sagt gi liv. Sminke, kle seg, gå, til slutt oppføre seg som karakteren siden eksterne fysiske handlinger hjelper til med å utløse følelsen som er søkt, etter prinsippet om at hvis du begynner å gråte, ender det opp.

• Du kan være interessert: "20 filmer om psykologi og psykiske lidelser"

Prinsippene i Stanislavski -systemet

Stanislavski -systemet er ganske sammensatt, og det kan ikke sies at det er statisk nettopp på grunn av hvor mye det har utviklet seg siden det ble konseptualisert på begynnelsen av det tjuende århundre. Imidlertid er det mulig å fremheve noen av de viktigste prinsippene, som har bidratt til å markere en før og etter i måten teaterkunstnere og senere filmer og serier representerte karakterene sine:

1. Konsentrasjon i karakteren

Skuespilleren må svare på fantasien lære å tenke som karakteren, konsentrere seg om å være det han tolker.

2. Sannhetsfølelse

Med sannhetsfølelse kan vi si at en av ideene til denne metoden er å skille mellom organisk og kunstig. Stanislavski var en fast tro på at det var naturlover som skulle følges i utøvende kunst, som i tilfelle av å bli respektert, differensierte et godt arbeid, naturlig og harmonisk, fra en dårlig, kunstig og overdimensjonert.

• Beslektet artikkel: "De 13 typene læring: Hva er?""

3. Handle i henhold til omstendighetene som er gitt

Skuespilleren må være dyktig i bruk og styring av omstendighetene som er gitt i teksten, men gjennom sannhet og ty til organiske midler. Er om holder seg til manuset, men slipper gjennom å representere hans følelsesmessighet, Å holde tro mot det som vises i librettoen, men å gjøre forestillingen har personlighet og naturlighet.

• Du kan være interessert: "Dramatiske tekster: Hva er typer, egenskaper og eksempler"

4. Den fysiske metoden

Stanislavski så at mange av elevene hans hadde dype emosjonelle spenninger og psykiske problemer. Gjennom sin metode kunne han bidra til å eliminere den fysiske og emosjonelle spenningen til skuespillerne, noe som fikk musklene til å slappe av mens de utfører presentasjonene og handler på en mye mer utgitt måte.

I tillegg til dette ga den russiske direktøren ekstraordinær betydning for den fysiske faktoren som ikke bare tjente til å slappe av, men også til å arrangere mer pålitelig måte. Det er på grunn av dette at systemet ditt også har vært kjent som Fysisk handlingsmetode på grunn av dens store vekt på avslapningen av musklene mens du utfører ytelsen.

• Beslektet artikkel: "Jacobsons progressive avslapning: bruk, faser og effekter"

5. Oppmerksomhetssfærer

Oppmerksomhetssfærene er det Stanislavski refererte til med sensasjonene. Skuespilleren må oppdage det sensoriske grunnlaget for arbeid. I hans oppgave er å lære å huske og huske sensasjonene som karakteren hans føler, sensasjoner som modulerer humøret hans og hans måte å oppføre seg med de andre karakterene i verket og med publikum.

6. Kommunikasjon og kontakt

Skuespilleren må kunne samhandle med andre karakterer spontant, uten å krenke innholdet i gratis, men virker ikke noe tvunget eller kunstig forberedt. Kommunikasjon og kontakt med andre aktører er viktig i løpet av essays og endelige representasjoner.

• Du kan være interessert: "De 28 kommunikasjonstypene og deres egenskaper"

7. Rollen segmentert i enheter og mål

Kunstnere må lære å dele rollen eller rollen til hovedpersonene sine i sensitive enheter som kan fungere separat. Det er skuespillerens og skuespillerens oppgave å definere hver enhet av rollen som føles som sitt eget ønske Mer enn å forstå det som en litterær idé som oppstår fra regissørens libretto.

8. Kreativitet i handling og tenkte

Du kan ikke være en skuespiller uten å være kreativ. Kreativiteten Det manifesterer både i en kreativ tilstand og i veien for å opptre seg selv.

• Relatert artikkel: "Hva er kreativitet? Er vi alle "maktgenier"?""

9. Arbeid med librettoteksten

Dette prinsippet kan høres åpenbart ut, siden det er vanskelig å representere et verk som tillitsfullt ignorerer hva det sier i librettoen. I den russiske fra begynnelsen av forrige århundre ga dette imidlertid ikke det for gitt noen russiske kunstnere, siden det ved mange anledninger hendte at librettoene ikke ble lest og de stolte på at de ville fortelle dem setningene sine mens de handlet.

Skuespilleren må respektere det han legger i librettoen, memoriserer og internaliserer linjene sine, men ikke lære det å "kaste ham opp" på tidspunktet for arbeidet. Skuespilleren må oppdage den sosiale, politiske og kunstneriske følelsen av teksten, Forstå ideene som regissøren har udødeliggjort i librettoen i arbeidet. Som kunstner må skuespilleren eller skuespilleren tjene som et middel til å overlate disse verdiene og visjonene til publikum som har gått for å se arbeidet.

Viktigheten av Stanislavski -systemet i dag

Stanislavski -systemet har utviklet seg over tid. Til å begynne med hva skuespillerne og skuespillerne måtte gjøre var å finne karakteren til karakteren, behandle den som en ekte enhet. Imidlertid med tidenes gang Praksisen med å finne i hans egen erfaring ble innlemmet ressursene som lar ham føle hva karakteren hans føler i enhver situasjon.

I dag er det forstått at skuespilleren ikke bare må forstå hva som skjer med hans karakter i arbeidet, men også må kjenne den viktige situasjonen han er og hvilke omstendigheter omgir ham. Å vite dette og leve det i sitt eget kjøtt, kan skuespilleren reagere på samme måte på hvordan karakteren hans forventes å gjøre det, og gjøre den mest naturlige forestillingen som mulig.

Dette har gått mye lenger og nådd det nåværende faktum at Mange artister lever i dag til dag, da de tror at karakteren deres ville gjøre det. For eksempel at karakteren hans er en bonde som bor i feltet, for da går skuespilleren en sesong til en gård og lever som om det var hans virkelige yrke. Etter hvert som årene gikk, la forskjellige tolkningsskoler visse praksiser til Stanislavski -systemet, og ble tidenes gang i det i skuespillerverdenen er kjent som "metoden".